El fin del Arte por Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

CÁTEDRA: ESTÉTICA

CARRERA: LICENCIATURA EN LITERATURA

Curso:	HUF252-300
	12007

Profesor. Dr. ADOLFO VÁSQUEZ

ROCCA

FACULTAD DE FILOSOFÍA Y LETRAS

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LA CRÍTICA Y EL FIN DEL DE ARTE Por Adolfo Vásquez Rocca PH. D.

ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

EL FIN DEL DE ARTE Por Adolfo Vásquez Rocca

ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

Sobre el arte en el límite de la historia, la muerte del arte y el arte plástico contemporáneo (Arthur Danto)

- VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, "PETER SLOTERDIJK: TEMBLORES DE AIRE, ATMOTERRORISMO Y CREPÚSCULO DE LA INMUNIDAD", En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas - Universidad Complutense de Madrid, | Nº 17 | Enero-Junio 2008 -1º / 1 | pp. 159-168
http://www.ucm.es/info/nomadas/17/avrocca_sloterdijk3.pdf

http://ecx.images-amazon.com/images/I/41Q3TD89F5L._SY344_BO1,204,203,200_.jpg

DESPUÉS DEL FIN DEL ARTE: EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE

Dr. Adolfo Vásquez Rocca

ARTE CONTEMPORÁNEO Por Adolfo Vásquez Rocca

Adolfo Vásquez Rocca, "Sloterdijk; Temblores de aire, atmoterrorismo y crepúsculo de la inmunidad" En A PARTE REI, Nº 53, Sociedad de Estudios Filosóficos, MADRID, 2007.
http://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/vasquez53.pdf

Dr. Adolfo Vásquez Rocca

LA CRÍTICA DE ARTE Y LA ESTÉTICA CONTEMPORÁNEA Por Adolfo Vásquez Rocca PH. D.

Versión PDF http://dl.dropboxusercontent.com/u/62941780/Wittgenstein.Filosofia.terapeutica.pdf

Vásquez Rocca, Adolfo, “Raúl Ruiz: La recta provincia y la invención de Chile”, En Revista Almiar, MARGEN CERO, Madrid, Revista bimestral - III Época, Nº 79 / 2015, ISSN: 1696-4807, http://www.margencero.com/almiar/raul-ruiz-recta-provincia/

Vásquez Rocca, Adolfo, “Carl Gustav Jung: Arquetipos, Mística e Inconsciente Colectivo”, (Jung Society - Dublin), En Redazione Rosebud –Critica, Scrittura, Giornalismo– Anno V, DUBLIN, Ireland, Febrero, 2014
http://rinabrundu.com/2015/02/28/carl-gustav-jung-arquetipos-mistica-e-inconsciente-colectivo/

ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE

Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

- DANTO, Arthur C.Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia (1997)

Danto, A.C.: After the End of Art: Contemporary Art

Sobre el arte en el límite de la historia, la muerte del arte y el arte plástico contemporáneo (Arthur Danto)

¿Ha llegado el final del arte? Bueno, es difícil decirlo cuando todavía no se ha llegado a una definición unánime de lo que es Arte, y creo que partiendo de esa base podríamos rebatir algunas de las afirmaciones que Arthur C. Danto realiza en el planteamiento de su ensayo "El fin del Arte".

Danto expone que es imposible crear nuevo arte dentro del sentido histórico del arte contemporáneo. El arte no tiene futuro, y es imposible predecirlo. Si intentamos adivinar cómo será el futuro estaremos proyectando parte de nuestra situación social, cultural y artística de nuestro tiempo, y la respuesta que obtendremos será parecida a la que tendríamos al mirarnos en un espejo (más o menos deformado, pero que nos devuelve la imagen propia). Danto toma por tanto dos caminos a su teoría, por un lado la especulación sobre el futuro del Arte, y por otro lado las características del arte venidero, presuponiendo su existencia.

Para Danto, la intención del arte a lo largo de la historia es la búsqueda de la representación más exacta del mundo y de la realidad, y parte de la idea de Hegel de que el Arte ha llegado a su fin como etapa histórica, es decir que Arte e Historia han tomado caminos diferentes. Actualmente según Danto, en el Arte se producen cambios sin evolución, retomando fórmulas ya conocidas, y el problema radica en que dicho objetivo histórico del arte se ha alcanzado, a través de la perfección de la técnica o de las tecnologías, y por tanto el arte deja de tener tal sentido.

Para Arthur Danto, existen tres modelos histórico-artísticos: el primero es el de la mímesis cada vez más exacta de la realidad; el segundo el que hace referencia a las experiencias y otras formas del arte; y modelo final, aplicable al arte en un sentido muy amplio, y es el concepto al que se refiere cuando éste ha llegado a su fin.

Agotado estos modelos, el arte busca justificarse mediante otros razonamientos que superen a lo meramente representativo o estético del modelo histórico artístico inicial, y por ello las obras artísticas contemporáneas van acompañadas de justificaciones y teorías. El arte se ha convertido en un ejercicio de la autorreflexión del artista que quizás tenga más relación con la filosofía que con su vertiente histórico-artística. Se convierten en medios de expresión de los propios pensamientos, sentimientos e ideas que el artista plasma en sus obras, y no pertenece a ningún pensamiento sociocultural colectivo, ya que el arte dependerá de cada autor, y por tanto no se puede enmarcar en una etapa histórica común.

Por tanto, hoy en día la división entre objeto y sujeto en el mundo del arte ha desparecido. Para Danto, ha llegado la era del pluralismo en la que todo vale, aunque afirma que el arte siempre tendrá un papel que desempeñar si los artistas lo desean.

Creo que este hecho no supone el fin del arte. Si bien el arte desempeña el papel que los artistas deciden, forma parte indisoluble de esto la propia sociedad y la cultura de la misma, dentro de un marco temporal determinado, y por eso sería incorrecto pensar que el Arte se ha separado de la Historia. Por un lado porque la propia historia va ligada a la sociedad, y el arte también lo está. Por otro lado, porque aventurarse a imaginar cómo será el arte o su futuro es sin duda una tarea infructuosa, dado que no tenemos perspectiva suficiente para determinar siquiera en qué punto histórico nos encontramos nosotros mismos, mucho menos el arte contemporáneo, de la misma forma que hace diez años nadie podría asegurar que la era de internet habría tocado techo.

Por otro lado, creo que en tanto que el arte se trata de una forma de expresión, siempre necesitaremos de él, y en este sentido efectivamente, dependerá el concepto de Arte que manejemos, como señalábamos al principio. Si bien los medios de expresión podrán haber sido ya agotados anteriormente, como critica Danto, lo que se desea transmitir, ideas, experiencias o sensaciones y la reacción que provocan en el receptor, son únicas. Por ejemplo, entre un soneto de Góngora, Lope o Quevedo, se usa la misma técnica, misma estructura y medio expresivo, pero son obras artísticas totalmente únicas. Incluso manteniendo los métodos y suponiéndolos, en el peor de los casos, ya agotados, las oportunidades para el arte siguen siendo infinitas.

De la misma forma podemos decir que un cuadro de Velázquez, habiendo alcanzado una gran calidad técnica (uno de los pasos para el fin del arte según Danto) y a pesar que muchas de sus obras fuesen encargadas por la corte (el mercantilismo también es criticado, sobre todo en su vertiente especulativa), nadie puede negar hoy en dia que se traten de obras de arte de grandísima calidad.

Por tanto, desde mi punto de vista, no parece que haya llegado el fin del arte, o que éste haya tocado su techo evolutivo, ni parece que este punto pueda (afortunadamente) alcanzarse jamás.

Arthur C. Danto. Nacido en EE.UU. en el año 1924, fue Profesor Johnsonian Emérito de Filosofía en la Universidad Norte Americana de Columbia.

Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia (1997) es la recopilación del trabajo publicado en el Diario The Nation entre 1984 y 1990. El fin del arte, es también el título del primer artículo que publicó anunciando la posibilidad de estar cerrando una era en el desarrollo histórico del arte, que significa para Danto, “el fin de los relatos legitimadores”.

ARTE CONTEMPORÁNEO Por Adolfo Vásquez Rocca

DESPUÉS DEL FIN DEL ARTE. EL ARTE CONTEMPORÁNEO Y EL LINDE DE LA HISTORIA

Danto advierte que el arte se ha liberado de la pintura, de la escultura, de la arquitectura, porque ya no tiene la necesidad de ser esto o aquello, manifestando “el arte no tiene límites, todo vale…” En adelante lo etiquetaría como arte posthistórico abarcando todas las artes visuales, señalando como obra de arte, la exposición al público en el año 1964 de la Caja de Brillo de Andy Warhol.

El fin del arte, no se refiere al final de la producción artística, sino al final del arte con distintos propósitos representativos como por ejemplo religiosos durante la modernidad, -románico, gótico, renacentista, manierismo, barroco, etc-. En adelante según Danto, el arte no miraría el arte del pasado como pretexto para liberarse. Ni siquiera con la sacralización del arte recogido en Museos a iniciativa de Hegel, ni entrando en el debate de los ismos artísticos acompañados de sus respectivos manifiestos. Los impresionistas como Manet, o los postimpresionistas como Gaugin y Van Gogh reemplazaron la pintura representativa iniciada por Vasari. Danto con Greenberg coinciden en apuntar al modernismo como el punto crucial en la historia del arte, el antes y el después del fin del arte.

El arte como reflexión, la necesidad de entender científicamente la verdadera naturaleza del arte. Danto resume esto de la siguiente manera: “Un manifiesto singulariza el arte que él justifica como verdadero y único, como si el movimiento que expresa hubiera hecho un descubrimiento filosófico de qué es esencial en el arte. No obstante, el verdadero descubrimiento filosófico, es que no hay un arte más verdadero que otro y que el arte no debe ser de una sola manera: todo arte es igual e indiferentemente arte”.

El ojo entrenado sería fundamental -según Danto- para detectar aquello que es arte, desde el buen gusto, con una amplia experiencia estética. En un periodo en el que todo está permitido, la historia sin lindes y la información llega desordenada, nos valen las palabras de Warhol en el año 1963, “¿Cómo alguien podría decir que algún estilo es mejor que otro? Uno debería ser capaz de ser un expresionista abstracto la próxima semana, o un artista pop, o un realista, sin sentir que ha concedido algo”.

Llegamos al Esencialismo, la autoconciencia, recordando nuestra rápida ojeada a la era de la imitación o de la mimesis, cuya crítica estaba basada en la verdad visual: La era de la ideología o de los manifiestos; y (nuestra era) la era posthistórica del arte, cuya crítica ha de ser tan pluralista como lo es el mundo de su arte.

Cuando Marcel Duchamp en el año 1962, presentó su Ready-made contra el arte retiniano, es decir, el arte visual, por el sólo hecho de haber elegido un objeto, Duchamp pretendió atacar de raíz el problema de determinar cuál era la naturaleza del arte y trató de demostrar que tal tarea era poco más que una utopía. Tan sólo dos años después, Warhol exhibió la Caja Brillo comunicando imperativamente “yo soy arte” y la filosofía se puso a disposición del arte. Para Danto, “la filosofía del arte ya no podía “preceder” al arte ni mucho menos predecir las rutas que habría de seguir; ella tiene que partir ahora de la experiencia sensible: de lo que el arte le presenta como arte”.

BIBLIOGRAFÍA

- DANTO, Arthur . Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia, Barcelona, Paidós, 1999.

- Walter Benjamin “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica”, en Obras Completas, libro I, Vol. 2, pp. 12 y ss.

http://ecx.images-amazon.com/images/I/71pAeUWz4yL._SL1500_.jpg

Danto, A.C.: After the End of Art: Contemporary Art By Adolfo Vásquez Rocca

BIBLIOGRAFIA

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SAFRANSKI, Rüdiger. 2000. El mal o el drama de la libertad, TusQuets Editores, Barcelona.
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Sánchez, José. 1999. La escena moderna: manifiestos y textos sobre teatro de la época de vanguardias. Editorial Akal, Madrid.
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Wagner, Richard. La obra de arte del futuro. Documento de trabajo en: http://weblogs.udp.cl/base.php?usuario=andres.grumann
El terror y lo Sublime en el Arte.

Vásquez Rocca, Adolfo, “Carl Gustav Jung: Arquetipos, Mística e Inconsciente Colectivo”, (Jung Society - Dublin), En Redazione Rosebud –Critica, Scrittura, Giornalismo– Anno V, DUBLIN, Ireland, Febrero, 2014
http://rinabrundu.com/2015/02/28/carl-gustav-jung-arquetipos-mistica-e-inconsciente-colectivo/

Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía Arte después del fin del arte Danto

Danto, A.C.: After the End of Art: Contemporary Art By Adolfo Vásquez Rocca

DESPUÉS DEL FIN DEL ARTE

CAPITULO 1

MODERNO, POSMODERNO Y CONTEMPORÁNEO

El sistema dantiano se puede analizar bajo dos aspectos: uno historicista, centrado en la naturaleza histórica del arte y otro esencialista, que se refiere a la artisticidad de los objetos. Ambos, determinados por un cambio perceptual de la humanidad.

Atendiendo el aspecto historicista, Danto comienza por: “...diferenciar el arte contemporáneo del arte moderno en general y tratar de concebir el posmodernismo como un enclave estilístico dentro del primero.”*

El arte moderno, para Danto, se caracteriza por el asenso a un nuevo nivel de conciencia, respecto del arte tradicional. Lo moderno –en palabras del autor- pareció haber sido un estilo que floreció aproximadamente entre 1880 y 1960. Pero qué, más allá de una noción temporal, moderno no solamente significa “lo más reciente”, sino se concibe como una noción de estrategia, estilo y acción.

El arte contemporáneo -sugiere Danto- también, aparece con una nueva conciencia, donde se han creado obras que serían inteligibles décadas atrás e incluso han rebasado los límites antes establecidos en las artes. La contemporaneidad a diferencia de la modernidad, comenzó sin hacer un alegato contra el arte del pasado, ya que éste, no es algo de lo cual haya que liberarse, aunque sea absolutamente diferente del arte moderno en general.

A partir de los 60´s se continuó produciendo un arte bajo el imperativo del “modernismo”, pero que no correspondía con su discurso; aunque tampoco se podría considerar contemporáneo, excepto en el sentido temporal del término. Entonces se recurrió al término “posmoderno” pero que por excluir parte del arte contemporáneo, no satisfacía una concepción adecuada de nuestro momento histórico.

Es por ello qué, Danto, considerando el cambio en las condiciones de producción de las artes visuales, propone el término de “arte post-histórico”; que contempla al arte contemporáneo en su totalidad, quedando “posmoderno” como un sector identificable dentro de éste.

Una vez establecida la diferencia entre los términos de moderno, posmoderno y contemporáneo, Danto se concentra en explicar la transición histórica del modernismo al arte posthistórico, y discutir la aparición de la conciencia de la contemporaneidad.

Para ello, Danto parte de su idea sobre “el fin del arte”, que se refiere al fin de todos los relatos legitimadores del mismo, porque en el arte contemporáneo no hay ningún criterio a priori acerca de como deba verse el arte, por ser demasiado pluralista en intenciones y acciones como para ser encerrado en una única dimensión.

A partir del “fin del arte”: ya no es posible aplicar las nociones tradicionales de la estética al arte contemporáneo, sino que hay que centrarse en una filosofía de la crítica del arte que pueda arrojar luz sobre lo que quizá sea la característica más sorprendente del arte contemporáneo: “que todo es posible”.

He aquí un punto importante: que el problema para Danto sería pues filosófico, para llegar a una posible definición de lo artístico en la actualidad. Cree que es posible encontrar, e intuir, un aire de familia en todos los objetos que se consideran artísticos, pues dice que algunos objetos son obras de arte y pueden ser apreciados como tales. Aunque, advierte que para que exista el arte ni siquiera es necesario la presencia de un objeto. Y si bien hay objetos en las galerías pueden parecerse a cualquier cosa. Lo que supondría que existen propiedades en los objetos gracias a las cuales podríamos reconocerlos como artísticos, es decir que sería posible intuir cierta semejanza entre ellos, que permitiría agruparlos en una misma clase.

ARTE CONTEMPORÁNEO Por Adolfo Vásquez Rocca

CAPITULO 2

TRES DÉCADAS DESPUÉS DEL FIN DEL ARTE

En éste capítulo, Danto continúa defendiendo su tesis sobre “el fin del arte” publicado en 1984, fecha que asocia con acontecimientos históricos, que de alguna manera modificaron y esclarecieron la situación de una nueva perspectiva histórica. Danto visualiza “el fin del arte” en 1964, pero lo percibe hasta 1984, pues como dice el autor: las fuentes no estuvieron al alcance de quienes lo vieron suceder, además, el fin del arte nunca se expresó como un juicio crítico sino como un juicio histórico objetivo.

Con “el fin del arte”, Danto enuncia que se había alcanzado el fin de una era en occidente de seis siglos (comprendidos entre 1400 y 1964). Y con él, terminan sus manifiestos y sus relatos legitimadores; produciendo un cierre en el desarrollo histórico del arte. A partir de éste momento cualquier tipo de arte que se hiciera estaría marcado por el acceso a la conciencia de la verdadera naturaleza del arte. Consecuentemente, proseguía la reflexión de: qué clase de arte es. Luego, se podría hablar del espíritu en el cual fue hecho.

Danto, razona en el arte que se ha producido después del fin del arte, a partir de los últimos años de la década del sesenta. Dejando de lado, por fin, la era de los manifiestos o modernidad y la filosofía que los legitimo. El autor enfatiza que la premisa subyacente en los manifiestos del arte es filosóficamente indefendible, ya que lo justifican como verdadero y único, como si cada movimiento hubiera hecho un descubrimiento filosófico de lo qué es esencial en el arte. No puede haber ahora, ninguna forma de arte históricamente prefijada. Los relatos histórico-artísticos para Danto, son falsos. Falsos, desde sus mismos fundamentos filosóficos. Ya que, “una definición filosófica del arte debe capturar todo, sin excluir nada”. Aunque reconoce que dichos manifiestos pugnaron por un entendimiento filosófico del mismo arte, y precisamente en eso consiste su riqueza: en su especulación filosófica.

Danto, tiene bien claro que, el arte no debe ser de una sola manera: En el arte después del fin del arte, ningún arte es más verdadero que otro, ni esta enfrentado históricamente contra algún otro tipo de arte. Así -afirma Danto- , el arte puede ser lo que quieran los artistas y los patrocinadores, pero no de una manera gratuita: A partir de ese momento –plantea Danto- le corresponde ocuparse a la filosofía, ya que, el arte desde sus propios medios no podría llegar a un desarrollo mayor de su propio concepto. Lo que no sería de extrañar, puesto que en la historia del arte occidental, el concepto de lo artístico ha sido siempre proporcionado por la filosofía.

Dicha reflexión, surge a Danto, luego de enfrentarse a las brillo box de Warhol, por que con esta pieza, queda claro que una obra de arte no debe ser de una manera en especial, puede parecer una caja de jabón o una lata de sopa. El problema ahora es explicar filosóficamente por qué son obras de arte, cuál es la diferencia entre una obra de arte y algo que no es una obra de arte cuando no hay entre ellas una diferencia reconocible.

Las Brillo box de Warhol, como los Ready-made de Duchamp, son obras que no poseen propiedades diferentes de las cosas normales y corrientes; de hecho, son cosas normales y corrientes. La importancia radica en que muestran que, la esencia del arte estaba en su concepto y no en alguna otra propiedad manifiesta del objeto artístico. Una vez considerado artístico un objeto -explica Danto- se percibe y se analiza según la relación entre lo que se presenta y la manera en como se presenta. La conversión del arte en concepto (su des-artistificación) es el paso previo a su verdadera autonomía.

CAPITULO 3

RELATOS LEGITIMEDORES Y PRINCIPIOS CRÍTICOS

Danto identifica algunos relatos que legitimazaron primero al arte clásico y luego al arte moderno. Examinando las secuencias históricas que lo llevaron al planteamiento del arte posthistórico.

El primer y más importante relato que señala Danto, es el Vasariano. En su libro: Vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores, Vasari concibe el arte como una conquista de apariencias visuales y estrategias, a través de las cuales se puede duplicar el efecto de las superficies visuales del mundo y lograr representaciones cada vez más exactas. Condenando así, aquella representación que pareciera más pictórica que real.

Otro relato que refuta Danto, es de Ernest Gombrich. En su libro: Arte e Ilusión, Gombrich explica que existe un progreso en capturar la realidad, principalmente a través de dos componentes: uno manual y otro perceptivo. Progreso que -según Gombrich- se dio en las representaciones que se parecían más y más a la realidad visual. Entendido de esta manera, había un grupo de artistas (se refiere a la pintura), que transmitiendo su oficio de generación en generación, se conseguía un “crecimiento del conocimiento”. Para Gobrich, el momento en el que la pintura moderna “fracasa” y viola las reglas del relato vasariano, es, seguramente, señal de que algo profundo había pasado en la historia del arte. Algo que Vasari no habría podido manejar.

Dichos esfuerzos –de Vasari y Gombrich- para explicar el arte, señala Danto, tuvieron forma de criticas y descansaron sobre las premisas miméticas que el modelo vasariano generó.

Un tercer relato que revisa Danto es el de Roger Fry, quien noto que los modernistas no se preocupaban más en imitar las formas, sino en crearlas. No apostaban más a la ilusión, sino, a la realidad. Eran propuestas que no encontraron cabida en los seiscientos años previos del arte occidental. El mérito de Roger Fry –para Danto- es el hecho de que supiera que era necesario otro nivel de generalidad que posibilitara reconocer y responder críticamente al arte de ambos períodos. Lo cual, comprendía la época vasariana como “clásica”.

De igual manera, Danto analiza las teorías de Daniel-Henry Kahnweiler, que estudian el estilo mimético como lenguaje o escritura, evocando que la idea de que alguien puede adquirir fluidez en la “lectura” de una “imagen difícil”.

Lo que Fry y Kahnweiler intentaron, fue advertir que el nuevo arte había desmembrado los disfraces de la mimesis. El nuevo arte –explica Danto- llegó por sustracción, sustrayendo mimesis, o distorsionándola hasta el punto que ya no parecía ser el objeto del arte, aunque ni Fry ni Kahnweiler, estaban preparados para decir que el nuevo arte era realmente nuevo, o nuevo de manera diferente.

En general, Danto reconoce que estos pensadores incluyendo a Clement Greenberg (quien puso al modernismo al nivel de una conciencia filosófica), buscaron repensar el arte de la tradición y someterlo a otro criterio no ilusionista, ni mimético. Danto se toma la molestia de proponer uno nuevo, acorde con un nuevo tipo de realidad, sin creencias excluyentes, en el cual “todo es posible”. Todo posible, pero, dentro del horizonte de un período histórico cerrado; todo posible, pero, en el mismo sentido que otras estructuras histórica; es decir, con delimitaciones técnicas y estilísticas.

ARTE CONTEMPORÁNEO Por Adolfo Vásquez Rocca El Fin del Arte Danto.

CAPITULO 4

EL MODERNISMO Y LA CRÍTICA DEL ARTE PURO:

LA VISIÓN HISTÓRICA DE CLEMENT GREENBERG

En este capitulo, Danto comienza por organizar y confrontar las ideas de algunos teóricos que de cierta manera estructuraron el modernismo. La primera confrontación que se enuncia es la de Alois Riegl con Gottfried Semper.

Riegl, nos informa Danto, cree que el ornamento tiene una historia, y que la historia de la pintura también podría ser entendida en términos del desarrollo interno de la adecuación representacional. Así, habría un desarrollo en la secuencia de la representación en la pintura desde Cimabue y Giotto hasta Miguel Ángel, Leonardo y Rafael. Riegl, de manera similar a Gombrich, cuenta una historia de la pintura en “desarrollo progresivo”, rebatiendo las tesis de Gottfried Semper que sostienen que las imágenes no tienen una historia.

Una segunda confrontación que cuenta Danto, es la de Hans Belting con David Freedberg. Belting al igual que Riegl, piensa que el arte, parece contener la posibilidad de una historia con un desarrollo progresivo y propone escribir la historia de las imágenes devocionales de occidente “antes de la era del arte”, defendiendo su afirmación de que éstas tienen una historia. Contrariamente a Belting, y similar a Semper, David Freedberg, razona lucidamente que hacer imágenes es una propensión humana universal, que sea donde fuera es siempre la misma, que la creación de imágenes no puede tener una historia.

También Kanhweiler y Panofsky, demostraban lo mismo, Según Kahnweiler, escribe el autor, un nuevo sistema de signos podía reemplazar a uno viejo y ese nuevo, podría reemplazado en su momento; lo que significa que a lo largo de la historia del arte no existe un desarrollo. De igual manera, la historia del arte articulada por Panofsky es una secuencia de formas simbólicas que se remplazan unas a otras pero que no constituyen una evolución. Es decir, que no hay una historia progresiva continua.

En este sentido, Arthur Danto, congenia con Semper, Freedberd, Kanhweiler y Panofsky, pues al igual que ellos, afirma que: en efecto, el ornamento debe tener tan poca posibilidad de poseer una historia, como no la tienen la producción o la percepción.

Luego de enunciar las discusiones de que si la historia del arte es progresiva o no, Danto se concentra en explicar en que consistió realmente el modernismo.

Primeramente, el autor identifica y reconoce que Daniel-Henry Kahnweiler y Roger Fry (quien observo que los artistas ya no tenían interés en imitar la realidad, sino en dar expresión objetiva a los sentimientos que ésta les provocaba), fueron los primeros en desplazar el relato a un nuevo nivel. Era –nos cuenta Danto- como si el relato avanzara ahora, no en términos de representaciones adecuadas, sino más bien en términos de representaciones filosóficas de la naturaleza del arte cada vez más adecuadas.

Pero, la persona que logró percatarse de que ocurrió un profundo cambio en la historia del arte fue Clement Greenberg, quien cuenta que el modernismo comenzó con la obra de Manet y con los impresionistas por que hicieron visible la salpicadura, la mancha y la pincelada, indicando así, que se debía mirar la pintura antes que mirar a través de ella.

Para Greenberg –cuenta Danto- lo que hace moderna a la pintura y al arte en general es, el tomar bajo sí misma la tarea de determinar “a través de sus propias operaciones y obras, los efectos exclusivos de sí misma”, y estar obligada a “eliminar... cualquier y todo efecto que pudiera concebirse como prestado desde o por los medios de otro arte. De esta manera cada arte podría ser considerado “puro” y encontrar en esa pureza la garantía de sus cualidades y su independencia.

El asunto –continua Danto- es que Greenberg define su estructura relato siguiendo a Vasari, su merito es el haber percibido la historia posvasariana como una historia de auto examen, y el identificar al modernismo con el esfuerzo de poner a la pintura (y a cada una de las artes) en un fundamento inconmovible. Derivado éste, del descubrimiento de su propia esencia filosófica, donde el arte es su propio sujeto.

Apoyándose en Greenber, Danto nos cuenta que la historia del modernismo es una historia de purgación o purificación genérica del desembarazarse del arte de cualquier cosa que no le sea esencial.

En términos generales, Danto propone que pensemos el modernismo como un momento en que se debían buscar nuevos fundamentos para proporcionar una definición filosófica del arte.

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Danto, A.C.: After the End of Art: Contemporary Art

CAPITULO 5

DE LA ESTÉTICA A LA CRÍTICA DEL ARTE

Danto, se ocupa en éste capítulo de mostrar que la práctica crítica basada en la estética kantiana utilizada por Greenberg se volvió complicada y estéril a partir del arte definido primeramente por Duchamp y luego por Warhol.

Alrededor de 1917, con los Ready made y luego en 1964 con la Brillo box Duchamp y Warhol demostraron que sus objetos eran arte, aunque no bellos; lo cual significaba que eran imposibles de describir en términos de la estética clásica. Así, se aclaró que la belleza u otra categoría estética, no formaba parte de ningún atributo para definir el arte. “Si lo bello no es una distinción entre las obras de arte y otras cosas, entonces la belleza no formaba parte del concepto de arte”.

Lo que facilitó a Greenberg identificar la calidad en el arte con la calidad estética el pensamiento de Kant y Schopenhauer acerca de la débil distinción entre belleza artística y belleza natural y que todo lo que importaba era la realidad estética.

El arte después del fin del arte –explica Danto- no apeló más a la teoría estética clásica precisamente porque despreció totalmente la calidad estética. El arte atravesó por un momento revolucionario que invalidó para siempre el transito fácil desde la estética a la crítica. Ambas podrían volver a estar conectadas nuevamente, pero, sólo mediante la revisión de la estética a la luz de los cambios en la práctica crítica que impuso la revolución de los sesenta. Es, en los sesenta, cuando los objetos cotidianos ganan el estatus de obras como arte, evidenciándose que la estética como teoría necesitaba ser seriamente restaurada para ser útil en el trato del arte.

Habiendo explicado que la estética clásica se volvió inadecuada para el arte después del fin del arte, Danto, propone una teoría general de la calidad que pueda contener la virtud estética pero, no como un rasgo definitorio sino como un caso particular. Ya que la belleza puede ser parte del contenido de las obras.

En cierto modo -reflexiona Danto- la transición del relato de Vasari al de Greenberg fue un cambio desde las obra de arte en su dimensión de uso a las obras de arte en su capacidad de mencionar. Y de acuerdo con esto la crítica cambió su objetivo de interpretar qué eran las obras, a describir qué eran. En otras palabras cambió del significado al ser, de la semántica a la sintaxis.

La crítica que plantea Danto no es formalista y basándose en Hegel, parte de dos premisas: el contenido y los medios de la obra de arte. “La crítica no necesita ir más allá” piensa el autor.

La crítica debe teorizar la realidad de la obra de arte; los conocimientos que produzca han de confirmar o ampliar, innovar o corregir las prácticas distributivas o productivas de las artes y estar encaminada a conceptuar las prácticas artísticas y traducirlas en reflexión (filosófica).

CAPITULO 6

LA PINTURA Y EL LINDE DE LA HISTORIA:

EL FINAL DE LO PURO

La idea del arte puro apareció con la idea del pintor puro -comenta Danto- y hoy, esto es una opción, no un imperativo. Ninguna cosa es más correcta que otra. No hay una sola dirección. De hecho, no hay direcciones.

Con el fin del arte, Danto no se refiere al fin de éste o que los pintores dejaran de pintar, sino que la historia del arte estructurada mediante relatos había llegado al final. Esto, quiere decir que, hablar de la muerte de la pintura, tampoco significa que ésta desaparezca o que no vaya a existir más. Sería ingenuo afirmarlo. Lo que ya no es posible, es el monoesteticismo que muchos historiadores quieren ver en el pasado.

Para los artistas en el momento posthistórico, cualquier medio y estilo son igualmente legítimos. El problema para Danto es marcar que tal vez fue un error la identificación total del arte con la pintura, y refutar la estética materialista de Greenberg, en la cual cada arte debía mantenerse dentro de las limitaciones de su propio medio y no usurpar las prerrogativas de cualquier otro arte o medio. Para Danto, “lo que el arte busca”, es la comprensión filosófica de lo que es el arte, y así alcanzaría el fin y la consumación de la historia del arte.

En opinión de Danto, esta historia terminó una vez que el arte mismo se planteó la verdadera forma del problema filosófico, esto es, la cuestión de la diferencia entre las obras de arte y los objetos reales. Y cuando Danto, afirma que la historia terminó, lo que quiere decir es que, ya no existe un linde de la historia para que las obras de arte queden fuera de ella. Que la presente situación no está esencialmente estructurada o adaptada a un relato legitimador. Ya lo había mencionado: que todo es posible, que todo puede ser arte.

CAPITULO 7

ARTE POP Y FUTURO PASADO

Greenberg –señala Danto- encerrado en una visión de la historia y en una práctica estética que no tuvo espacios para el pop, no pudo acomodarlo a sus conceptos y categorías. Lo que deberíamos hacer –sugiere Danto- es, tratar de pensar el pop de una manera más filosófica. Ya que en su relato, el pop marcó el nuevo curso de las artes visuales y señaló profundos cambios políticos y sociales produciendo transformaciones filosóficas en el concepto del arte. Sus lecciones lingüísticas y replanteamientos sobre la problemática artística siguen operando en la mayoría de los movimientos actuales.

El pop rechazó las convenciones estilísticas y temáticas de la tradición del arte, asumiendo la cotidianidad, y lo banal, se somete prácticamente a los valores simbólicos del sistema establecido, asumiendo la apariencia del objeto. Se trata de buscar una vinculación más estrecha, incluso una identificación total o parcial entre la obra y los objetos a los que ésta alude, yendo más allá de la mera asociación.

El pop es la tendencia más decisiva en la evolución de la representación del arte y la línea entre objeto artístico y objeto natural. Así, deja de existir un orden estético y se instaura una ambivalencia entre arte y realidad. Se advierte, un mayor grado de objetivación y distanciamiento; sus renovaciones sintácticas favorecieron el problema de la comunicación a nivel pragmático. Por ello, el pop, es para Danto, el movimiento más crítico del siglo XX, por que responde a algo muy profundo en la psicología humana del momento. Y por que transfiguró en arte lo que todos conocemos: los objetos e iconos de una experiencia cultural común, el repertorio común de la mente colectiva en el momento actual de la historia. Celebrando las cosas más comunes de las vidas más comunes, aunque refiriéndose con toda propiedad a las superestructuras de las sociedades capitalistas altamente desarrolladas. Y porque introduce la consideración y la conciencia de la obra de arte como objeto de consumo; estableciendo así, el mercado y la institución del arte.

CAPITULO 8

PINTURA, POLÍTICA Y ARTE POSTHISTÓRICO

De vez en cuando, alguien declara la muerte de la pintura, nos dice Danto. Pero es en el siglo XX cuando se dan la mayoría de las proclamas del fin de la pintura de caballete y dichas denuncias tuvieron un carácter político: los dadaístas de Berlín, los comités de Moscú, o los muralistas mexicanos quienes apelaron a las implicaciones sociales de la pintura.

Danto señala que los críticos de izquierda consideraron que el modernismo fue calculado para reforzar privilegios mediante el fortalecimiento de las de las instituciones que dictaminaban sobre la pintura y escultura. La pintura representaba el tipo de arte del grupo autorizado por las instituciones en cuestión; entonces empezó a considerársela, en forma creciente e inevitable, como políticamente incorrecta. De igual manera, los museos pasaron a ser estigmatizados como depositarios de objetos opresivos que tenían poco que decir a los oprimidos como los afroamericanos, las mujeres, los gays, los latinos, los asiático-americanos y demás minorías.

La izquierda, encontró razones suficientes para declarar la muerte de la pintura. Se creyó entonces que los artistas que trabajaban “fuera del sistema” se podían considerar a sí mismos como factores del cambio social, esquivando las instituciones que la deconstrucción había revelado como opresivas.

Por otro lado, las críticas radicales de la pintura misma en los años ochenta, daban por sentado que la producción de pintura pura era la meta de la historia, que ésta había sido alcanzada y que entonces a la pintura no le quedaba nada por hacer. Este punto de vista sobre la muerte de la pintura también es compartido por Douglas Crimp, quien dijo que una obra como la de Robert Ryman, con sus arquetípicos cuadrados blancos, se podían tomar como evidencia de la clausura interna de la pintura, dejándola sin lugar hacia donde ir y sin mucho que hacer.

Pero, a diferencia de todas estás especulaciones sobre la muerte de la pintura, Danto, dice que, conceptuar la muerte de la pintura de esta manera -donde la pintura ya no tendría mucho o nada por hacer-, implicaría aceptar el relato progresivo que cuenta Greenberg.

El arte después del fin del arte, enuncia Danto, comprende la pintura, aunque ésta ciertamente no conduce el relato hacía delante; ni posee más la exclusividad como el vehículo principal del desarrollo histórico, es ahora uno de los medios posibles dentro de la diversidad de prácticas que definen el mundo del arte. Una de tantas posibilidades. Algo que si se desea se puede hacer. El pluralismo del arte fue asumido por la pintura de manera inevitable. Quedando abierta la posibilidad de que los artistas puedan continuar pintando del modo que quieran y bajo el imperativo que deseen, sólo hay que tomar en cuenta que esos imperativos no se basan más en la historia. Ya lo había demostrado Phillip Guston que la pintura liberada del modernismo puede adquirir diversas funciones y finalidades particulares.

CAPITULO 9

EL MUSEO HISTÓRICO DEL ARTE MONOCROMO

En éste apartado, Danto atiende la mal interpretación de la pintura monocroma como si ésta fuera el fin de la pintura de nuestro tiempo. Cuando Crimp ve evidencias de la “muerte de la pintura” en los cuadrados blancos de Ryman, o en el trabajo de pintores que permiten que su obra se contamine con la fotografía, Danto ve sólo, el fin de la exclusividad de la pintura pura como vehículo de la historia del arte.

La visión de un final de la pintura sugiere para Danto, no sólo las fórmulas un tanto limitadas de la pintura monocroma, sino la disyunción de la actividad artística de todo un sector que fue asumida en las obras de arte, e incluso en la pintura. A menos que se acepte el relato modernista, es inadecuado decir que la pintura monocroma sea el final de la pintura y decir que sea un comienzo sólo es adecuado en contraste con otro relato: el propósito de la teoría después del fin del arte –dice Danto- es poner esto en cuestión.

En el espíritu de Malevich, el cuadrado negro pudo ser un comienzo, como una hoja en blanco, pero no contra los imperativos excluyentes del relato modernista. En este sentido, Danto sugiere el no considerar el cuadrado blanco de Ryman, ni como comienzo ni como fin, sino considerar que incorpora un significado análogo al del cuadrado negro de Malevich. Sería así, uno de los modos en los que podríamos deslizarnos.

Pero entonces ambas lecturas –continúa Danto- deben rechazar la sugerencia del vacío que nos viene naturalmente a la mente cuando se contempla este tipo de arte. El cuadrado monocromo tiene densidad de significado: su vacío es más una metáfora que una verdad formal, algo así como una página en blanco.

La pintura monocroma en el sentido que la piensa Danto, contempla desde el cuadrado negro de Malevich de 1915, y a artistas como Kazimir, Alexander Rodchenko, Yves Klein, Ad Reinhardt, Robert Raushenberg, Stefen Prina y por supuesto Robert Ryman.

Danto, piensa que hasta podría existir un museo de obras monocromas, cada una de ellas muy diferente de sus compañeras, pero todas exactamente semejantes: Experimentar una colección de 1915 al presente de pintura monocroma, permitiría aprender mucho sobre cómo experimentar el arte, y en particular, sobre la compleja interrelación entre las artes visuales y la experiencia visual. Un museo histórico del arte monocromo podría demostrar que éste, tiene poca relación con el agotamiento de las posibilidades de la pintura, y por esa razón la existencia de cuadrados blancos, cuadrados rojos, cuadrados negros o triángulos rosas, círculos amarillos, pentágonos verdes no nos dice nada ni sobre la muerte de las pintura ni del fin del arte. Ya que cada pintura monocroma se debe percibir en sus propios términos, como éxito o fracaso en la adecuación del léxico en que despliega su significado intencional.

Esta exposición de la pintura monocroma serviría también –sugiere Danto- como modelo de cómo pensar en la crítica, una vez que nos damos cuenta de que debemos pensar en las historias individuales de las obras, a pesar de la profunda semejanza entre ellas. Y de igual manera, explicar cómo llegaron al mundo, aprender a leerlas según lo que expresa cada una y a evaluarlas según esa expresión, para decidir si son miméticas o metafísicas, formalistas o moralistas.

CAPITULO 10

LOS MUSEOS Y LAS MULTITUDES SEDIENTAS

Las experiencias artísticas en la actualidad parecen hacer al museo muy vulnerable a cierta clase de crítica social. Es en los años setenta cuando Danto identifica que había todo tipo de razones -la mayor parte políticas-, para que los teóricos del arte pensaran en la muerte del museo.

En la mente de muchos teóricos y artistas hubo una relación evidente entre la pintura y la muerte del museo. Sobre todo por que los museos y las pinturas parecían íntimamente relacionados y si la pintura estaba muerta, no habría razones para que los museos existiesen. Pero si la pintura no esta muerta como cuenta Danto, el museo contemporáneo al igual que la pintura, sólo ha sufrido ciertas transformaciones en la cuestión del papel que ha de jugar con las nuevas formas de expresión artística.

Lo que discute Danto en éste capitulo, es, la situación y la redefinición del papel social del museo contemporáneo. Dice que éste, tal vez haya dejado de ser la institución estética fundamental, porque el arte y la vida están más profundamente entrelazadas de lo que admiten las convenciones del museo. El museo puede ser marginado por ciertos grupos con intereses dominantes, que pueden ser económicos, raciales e incluso sexuales.

Pero, el mismo museo –dice Danto- Justifica la producción, el mantenimiento y la exhibición del arte. Y está justificado por el hecho de que cualquier cosa que haga, hace posible todo tipo de experiencia estética o artística. Aunque también es verdad que esas experiencias tienen lugar fuera de los museos.

CAPITULO 11

MODALIDADES DE LA HISTORIA: POSIBILIDAD Y COMEDIA

En éste último capítulo del libro Después del fin del arte, el autor Arthur C. Danto, concluye con dos puntos básicamente. Un primer punto sería el de explicar con mayor precisión en qué consiste su sistema historicista-esencialista para una definición adecuada del arte. Un segundo punto, el de distinguir el uso y la mención de las formas del arte del pasado.

En cuanto al primer punto, Danto menciona que “la conjunción del esencialismo y el hishóricismo ayuda a definir el momento actual de las artes visuales”.1

Y continua: “Como buscamos apoderarnos de la esencia del arte, de una definición de arte filosóficamente adecuada, nuestra tarea se facilita por el reconocimiento de que la extensión del término “obra de arte” es hoy totalmente abierta”.2

La extensión del término “obra de arte” –explica Danto- es histórica, “entonces esas obras no se parecen entre sí obviamente en diferentes estadios, o al menos no tienen que parecerse entre sí; siendo evidente que la definición de arte debe ser coherente con todas ellas, porque todas deben ejemplificar la misma esencia”.3 “Esencialista” –señala Danto- implica llegar a una definición mediante condiciones necesarias y suficientes.

Su contribución –dice el mismo autor- “consiste en que ahora se debe encontrar una definición que no sea sólo coherente con la disyunción radical en la clase de las obras de arte, sino incluso explicar cómo fue posible esa disyunción”.4

En cuanto al segundo punto, que puedo distinguir se refiere, a que para los artistas es absolutamente posible apropiarse de las formas del arte del pasado, y usarlas para sus propios fines expresivos. Aunque advierte que al decir que todas las formas son nuestras lo son, en cualquier caso, para mencionarlas pero no para usarlas.

No es posible, explica Danto, relacionar esas formas del mismo modo en que fueron hechas. Que podemos relacionarnos con ellas del mismo modo en que originalmente lo hicieron los otros con sus propias formas. Y que, “ningún período se puede relacionar con el arte de formas de vida anteriores del modo en que lo hicieron quienes vivieron dichas formas de vida”.5

Danto, sugiere, “marcar una diferencia entre las formas y cómo nos relacionamos con ellas. El sentido en que todo es posible es aquel en el cual todas las formas son nuestras (que no significa que no haya formas distintivas de las de nuestro período). El sentido en que no todo es posible indica que debemos relacionarnos con ellas a nuestro modo. Y dicho modo es parte de lo que define nuestro período”. 6

Aun en el período posthistórico –menciona Danto- “nadie puede escapar de las constricciones de la historia. En el período posthistórico, en el que todo es posible, debe ser coherente con el pensamiento de Wölfflin de que finalmente, no todo es posible”.7

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Danto, A.C.: After the End of Art: Contemporary Art

1 DANTO, Arthur: Después del fin del arte, España, Paidós, 1999, p. 224

2 cf. Ibid.

3 cf. Ibid., p. 223.

4 Ibid., p. 220.

5 Ibid., p. 224.

6 Cf. Ibid., p. 225

7 Cf. Ibid., 224.

DANTO, Arthur, Después del fin del arte: el arte contemporáneo y el linde de la historia, Paidós, Barcelona, 2000.

I.-

En septiembre del año 2001 fuimos testigos, a través de los medios de masas, de uno de los eventos de mal radical más terroríficos (junto al Holocausto y al lanzamiento de la bomba atómica en Hiroshima) de la historia reciente. De algún modo el choque de dos aviones en las Torres Gemelas del World Trade Center en New York generó una ola expansiva que dejó pasmados a millones de espectadores a lo largo del mundo. Remitiéndose a este evento algunos autores han argumentado recientemente que con la caída de las torres gemelas se materializo el derrumbamiento de la cultura del simulacro (Baudrillard) y que estaríamos frente a un retorno a lo real. El curso pretende documentar y analizar éste evento bajo algunas de las premisas del llamado arte de performance a lo largo del siglo XX. Una estética del terror parte de una doble paradoja, aquella que, por una parte entrega al arte la misión de ser una anestesia que compensa el dolor, el mal y la catástrofe y que, por la otra, aquella que es materializada en eventos que desbordan la representación a favor de una visión luciferniana de la historia del arte.

1• Describir las nociones de terror, horror, lo siniestro y lo sublime con textos de reciente publicación y algunos referentes claves del siglo XIX.

2• Introducir los conceptos de performance, lo performativo y la performatividad para la discusión entorno a las artes escénicas del siglo XX.

3• Profundizar en las paradojas a las que se enfrenta el discurso artístico de la performance en la era del terror. Esto último bajo cuatro ejemplos claves.

4• Plantear algunos hitos del arte de la performance donde se haya puesto en juego la relación entre arte y terror o arte y guerra.

Podemos especular acerca del futuro del arte y plantearnos cómo serán las obras de arte venideras (suponiendo que existan); e incluso es posible aventurar que el arte en sí no tiene futuro, aunque se sigan produciendo obras de arte post-históricamente, por así decirlo, en el epílogo que sucede al desvanecimiento vital.^¹
La historia del arte ha llegado a su fin y nosotros ahora vivimos en una era posthistórica.^²

Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía Arte después del fin del arte Danto

CURSO - PROGRAMA DE HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO: FILOSOFÍA, LITERATURA Y ESTÉTICA _ PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

METODOLOGÍA:

Las clases tendrán un carácter expositivo teórico, complementadas con discusiones socializadas, así como con el apoyo de lecturas y material audiovisual.

Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

PROGRAMA CURSO - HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO: ARQUITECTURA, ESTÉTICA Y LITERATURA. PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

TIPO DE ACTIVIDAD(ES):

Clases Expositivas y Discusión socializada.

Lectura y Análisis de Textos Literarios y de Teoría Estética

Trabajo de Investigación y Ensayo

Exposición y Ponencias grupales.

EVALUACIÓN:

2 Pruebas Solemnes

Trabajo de Ensayo

Participación y exposición

Ayudantía

Nota: En el desarrollo 'in extenso' de los Contenidos se incorporan (con detalle) tanto los temas a desarrollar como Trabajos de Ensayo, Exposiciones y Lecturas de Ayudantía.

DANTO, Arthur, Después del fin del arte: el arte contemporáneo y el linde de la historia, Paidós, Barcelona, 2000.

CURSO - PROGRAMA DE HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO: FILOSOFÍA, LITERATURA Y ESTÉTICA _ PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

OBJETIVOS:

Objetivos Generales:

1.- Desarrollar en el alumno sensibilidades y capacidades reflexivas y críticas frente a los objetos de arte, las narraciones, las relaciones entre ficción y realidad, entre los mundos del texto y los viajes de la trama.

2.- Analizar los fenómenos artísticos y la ‘experiencia estética’ –desde su contexto socio-cultural–, propiciando un acceso conceptual a la obra de Arte y sus múltiples relaciones con otras disciplinas tales como la Literatura, la Arquitectura, Artes visuales (Cine), la Psicología, la Antropología y la Sociología. Considerado las obras y objetos de arte como documentos etnográficos de primer orden para el estudio de nuestras sociedades contemporáneas y posmodernas.

3.- Examinar el concepto y naturaleza del arte, los conceptos de belleza y fealdad, de armonía e inarmonía, dando cuenta de los problemas y teorías estéticas que tales conceptos han suscitado; posibilitando su revisión histórica y crítica.

4.- Comprender las perspectivas teóricas modernas y contemporáneas que han pensado el estatuto del arte con especial atención a la literatura.

Adolfo Vasquez Rocca | Universidad Complutense de Madrid

Objetivos Específicos:

1.- Examinar los conceptos de belleza y fealdad, de armonía e inarmonía, los problemas de la representación en el arte, propiciando –a través de la revisión de los Textos de Sigmund Freud, Marcel Duchamp, Michel Foucault, Jacques Derrida y Baudrillard– una revisión histórica y crítica de los conceptos estéticos tradicionales a la luz de la teoría psicoanalítica y sus diálogos con el movimiento surrealista, así como con las concepciones artísticas más contemporáneas (vanguardias).

2.- Conocer los conceptos de la estética literaria, a través del estudio y discusión de obras pertenecientes a los distintos grandes genero: retórica, narrativa, drama y ensayo.

3.- Exponer las relaciones entre filosofía y literatura a través de la nociones de escritura e interpretación (desde sus dimensiones estética, epistémica y ontológica).

CURSO - PROGRAMA DE HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO: FILOSOFÍA, LITERATURA Y ESTÉTICA _ PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

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Crítica de Arte por Adolfo Vásquez Rocca

CURSO - PROGRAMA DE HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO: FILOSOFÍA, LITERATURA Y ESTÉTICA _ PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

CONTENIDOS

1. UNIDAD : SENSIBILIDAD, MUNDO E IMAGEN: EL ORIGEN DE LA OBRA DE ARTE

Introducción a la naturaleza y alcances de los problemas estéticos.

Imagen, Mímesis, Alegoría

El concepto de 'Belleza' en el pensamiento mítico y clásico.

La idea clásica de belleza y la fealdad del arte moderno

Actualidad e inactualidad de lo bello

Sobre la composición y representación espacial.

Armonía, symmetria y kannon.

La inarmonía

La imagen y el ojo

La perspectiva como forma simbólica.

Imagen y escritura

Nociones de sentido, verdad y escritura desde la Estética contemporánea.

Interrelaciones entre las artes visuales y la literatura

Estética contemporánea y saber literario

Acerca del origen de la obra de arte (Heidegger).

Hölderlin, Trakl y Heidegger; El habitar poético del hombre.

Heidegger; “Construir, Habitar, Pensar”.

Discusiones en torno a la naturaleza de la obra de arte en Heidegger y Chillida: Espacio y vacío. Desierto y Morada.

Heidegger y Sloterdijk: La política como plástica del ser, nacionalsocialismo privado y crítica del imaginario filoagrario.

Heidegger desde Gadamer: Una re-lectura de El origen de la obra de arte

Crítica de Arte por Adolfo Vásquez Rocca

2.- DE LA FILOSOFÍA A LA LITERATURA; DE GÉNEROS, NARRATIVA Y SABERES CLASIFICATORIOS

Estética postmoderna: conceptos de metanarrativa, intertextualidad y semántica.

De géneros, narrativa y saberes clasificatorios

La Dramática, la nouvelle, Ciencia Ficción

Géneros y subgéneros : cuento fantastico , novela, nouvelle, poema, ciencia ficción y otros.

De la Teoría Literaria al dominio semántico del Texto.

Filosofía, estética y narrativa: el relato de ficción y la semántica de los mundos posibles

Los mundos del texto y los viajes de la trama.

Mundos posibles y ficciones narrativas

Los procesos creativos de la ficcionalidad y la dimensión antropológica de la ficción.

Mundos Posibles, Inteligencia Artificial y Teoría de la Narrativa

Normas constitutivas de la lógica modal.

El valor cognoscitivo de la ficción [Función de verdad en los universos de la ficción]

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Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

3.- EL CONCEPTO DE OBRA DE ARTE EN LA ÉPOCA DE SU REPRODUCTIBILIDAD TÉCNICA Y LA TEORÍA CRÍTICA DE LA ESCUELA DE FRANKFURT

La pregunta por la técnica y El origen de la obra de arte de M .Heidegger.

Industria cultural y reproductibilidad técnica del arte

Transformación del concepto de obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica. W. Benjamin.

El concepto de “aura” benjaminiano. La reflexión estética contemporánea y el arte post-aurático.

Benjamin: El concepto de aura y la pregunta por su pérdida

Teoría crítica, dialéctica negativa, teoría estética

Introducción a la Teoría Crítica de la Escuela de Frankfurt

Conceptos claves: dialéctica negativa, crítica, industria cultural

La mitificación de la razón moderna

Horkheimer y Adorno, La dialéctica de la ilustración

Estructuralismo, postestructuralismo y el problema del estatuto de la obra de arte

Nihilismo, técnica y arte: fotografía como culminación visual del proyecto moderno.

Nihilismo y humanismo: Jünger, Heidegger y Sartre.

Post Humanismo: Normas para el parque humano de Peter Sloterdijk

Ontología del declinar: G. Vattimo.

Jean Baudrillard: Cultura y Simulacro.

Baudrillard; de la metástasis de la imagen a la incautación de lo real

Jean Baudrillard; alteridad, seducción y simulacro; Cultura, narcisismo y régimen de mortandad en el sistema de los objetos.

Virtualización del acontecer

Estética de la desaparición, Paul Virilio

CURSO - PROGRAMA DE HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO: FILOSOFÍA, LITERATURA Y ESTÉTICA _ PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

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Crítica de Arte por Adolfo Vásquez Rocca

4.- DRAMATURGIA, CINE Y PERFORMANCES: TEATRO POSDRAMÁTICO Y POÉTICA DEL ESPACIO.

De la escritura a la experiencia escénica: el drama como virtualidad.

La mirada reticular y la mirada fragmentada

La locura de ver: Giro visual y arte de la mirada.

Ver y ser visto en psicoanálisis o los cometidos de la pulsión escópica.

Mirada y creatividad. La mirada como prohibición, fascinación y maleficio.

De Lumpérica a Los vigilantes de Diamela Eltit; el “locus horribus” de la ciudad moderna

Teatralidades, performances sociales y urbanas

El cuerpo como experimento y la teatralidad de la vida social

Sobre Dramaturgia Contemporánea.

Estética teatral de las vanguardias, expresionismo: Bertolt Brecht como referente de ruptura para el denominado teatro posdramático

Tadeusz Kantor: comienzos de la estética posdramática, ruptura de la textocentricidad

Contradicciones entre el concepto de teatro de vanguardias, teatro posdramático y el concepto de neo-barroco

Nuevas escrituras teatrales y su relación estética con el concepto de presentación: Sara Kane.

Dramaturgia alemana contemporánea: Falk Richter y René Pollesch

Pina Bausch; Danza Abstracta y Psicodrama Analítico.

Música concreta y Registros polifónicos: John Cage

Propuestas rupturistas en el siglo XX: teatro épico, teatro de la crueldad, teatro del absurdo.

La poética del espacio

Poetica del Cine en Raúl Ruiz

Deconstrucción de la Teoría del conflicto central.

Concepto Teatro e Historia. Henrik Ibsen: Casa de Muñecas

Rancière: El inconsciente estético

Proust y Deleuze; signos, tiempo recobrado y memoria involuntaria

Le temps retrouvé; el Proust de Raúl Ruiz

A la recherche du temps perdu; ‘En Búsqueda del Tiempo Perdido’ y la memoria involuntaria

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5.- DE LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS AL ARTE CONCEPTUAL Y POSTCONCEPTUAL

La irrupción de las vanguardias artísticas y sus Manifiestos.

El movimiento Dadá: historia de una subversión.

El Surrealismo: automatismo, mundo onírico y abolición de la figura del artista tradicional. Manifiestos.

Influencia del Psicoanálisis en el Movimiento Surrealismo: automatismo psíquico y mundo onírico; lo inconsciente y lo irracional.

La inscripción: horizonte semántico y residualidad; Freud: Lo bello y lo siniestro

El punto de partida del arte contemporáneo: desde la Vanguardias Artísticas: Dadaismo, Surrealismo, etc, hasta la “Escuela de Nueva York” [Action Painting: Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning, etc.]

Lo abyecto y monstruoso del arte de vanguardia. Los anormales y la genealogía de lo monstruoso. [La fealdad en el arte moderno]

La razón saludable versus el arte enfermo: revitalización de un problema romántico

William Burroughs; Literatura ectoplasmoide y mutaciones antropológicas. Del virus del lenguaje a la psicotopografía del texto.

Arte conceptual y postconceptual

Duchamp y el 'despertar de los objetos'

Nicanor Parra, Antipoesía, artefactos dramáticos y recuperación del habla empírica

Poemas visuales y poemas objeto de Joan Brossa,

El artista como teórico y el político como escenógrafo.

Joseph Beuys: cada hombre, un artista ; de la antropología al concepto ampliado de arte.

De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo.

"Fluxus y Beuys: De la Acción de Arte a la Plástica Social

Problematización del concepto de Arte y sus perplejidades ante el enunciado: “Esto es arte”.

Happening, arte conceptual, performances, Minimal art e instalaciones.

Sloterdijk: La crítica de la razón cínica y las artes performativas.

De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo.

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6.- PROBLEMAS DE ESTÉTICA CONTEMPORÁNEA: LA CRISIS DE LA NOCIÓN DE AUTOR Y LA ESCRITURA DECONSTRUCTIVA.

La obra “única” y la discusión en torno a los géneros. Perspectivas actuales.

La muerte del Autor

La Escritura Deconstructiva. Jacques Derrida

Sobre los conceptos de literatura y escritura.

El fin de la obra y la intuición del “afuera”.

Jacques Derrida: La verdad en pintura una. Margenes y Restituciones.

Escritura y oralidad.

Surgimiento y crisis del autor.

La Deconstrucción de la noción de Autor; Alteridad e identidad en la nueva novela de Juan Luis Martínez.

Figura autorial, lector, narrador.

Bajtín: dialogismo y polifonía.

Estética postmoderna: conceptos de metanarrativa, intertextualidad, fragmento.
Interpretación y sobreinterpretación: Freud, Steiner, Eco, Rorty y Sloterdijk.

Huella [una mirada psicoanalítica], différance, deconstrucción, diseminación, suplemento, margen.

La Différance: La escritura y la diferencia

La retirada de la metáfora

De la gramatología

La voz y el fenómeno

La diseminación

Márgenes de la filosofía: La deconstrucción en las fronteras de la filosofía.

Sobre un tono apocalíptico adoptado recientemente en filosofía

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PANORAMA DE LA FILOSOFÍA MODERNA Y CONTEMPORÁNEA

7.- ESTÉTICA Y POSMODERNIDAD; NUEVOS HORIZONTES PARA EL ARTE Y LA LITERATURA

Lo estético y el arte en la dialéctica de la modernidad – posmodernidad.

Las nuevas categorías de lo posmoderno: fragmentación, simultaneidad y fugacidad

El vértigo de la sobremodernidad: “no lugares”, espacios públicos y figuras del anonimato

Sloterdijk y el imaginario de la Globalización. Mundo sincrónico y conciertos de transferencia.

Alfredo Jaar; el secuestro de las imágenes y el Proyecto Ruanda

Psicopolítica en Sloterdijk y Virilio; El vértigo de la sobremodernidad; ciudades del pánico y turismo etnográfico

Razón y locura: el arte como el hablar de lo otro

La Historia de la locura y El pensamiento del afuera de Michel Foucault

Literatura, texto y deseo

Roland Barthes, El placer del texto

“Los detectives salvajes” de Roberto Bolaño

Postestructuralismo, psicoanálisis y el saber de la literatura

Lo simbólico y lo semiótico en Julia Kristeva

El simbolismo francés

Postmodernidad y saber narrativo

La condición postmoderna de Lyotard

Nunca fue tan hermosa la Basura; hacia una 'Estética de lo peor'.

A cualquier cosa llaman arte: Ensayo sobre la falta de lugares. La de(s)función del crítico después del fin del arte.

Sobre el arte en el límite de la historia, la muerte del arte y el arte plástico contemporáneo (Arthur Danto)

CURSO - PROGRAMA DE HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO: FILOSOFÍA, LITERATURA Y ESTÉTICA _ PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

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Dr. Adolfo Vásquez Rocca D. Phil

Ginanni Vattimo By Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

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Doctor en Filosofía

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ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA PROFESOR DE FILOSOFÍA PHD.

Doctor en Filosofía

Adscripción Académica

Pontificia Universidad Católica de Valparaíso
Universidad Andrés Bello UNAB
Universidad Complutense de Madrid
Eastern Mediterranean University - Academia.edu
E-mail: adolfovrocca@gmail.com

TRAYECTORIA ACADÉMICA

Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV, mención Filosofía Contemporánea y Estética. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. Profesor de la Escuela de Periodismo, Profesor Adjunto Escuela de Psicología y de la Facultad de Arquitectura UNAB Santiago. Profesor PEL Programa Especial de Licenciatura en Diseño, UNAB – DUOC UC – En octubre de 2006 y 2007 es invitado por la 'Fundación Hombre y Mundo' y la UNAM a dictar un Ciclo de Conferencias en México. –Miembro del Consejo Editorial Internacional de la 'Fundación Ética Mundial' de México. Director del Consejo Consultivo Internacional de 'Konvergencias', Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. Miembro del Consejo Editorial Internacional de Revista Praxis –Facultad de Filosofía y Letras, Universidad Nacional UNA, Costa Rica. Miembro del Conselho Editorial da Humanidades em Revista, Universidade Regional do Noroeste do Estado do Rio Grande do Sul, Brasil y del Cuerpo Editorial de Sophia –Revista de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador–. –Secretario Ejecutivo de Revista Philosophica PUCV. –Asesor Consultivo de Enfocarte –Revista de Arte y Literatura– Cataluña / Gijón, Asturias, España. –Miembro del Consejo Editorial Internacional de 'Reflexiones Marginales' –Revista de la Facultad de Filosofía y Letras UNAM. –Editor Asociado de Societarts, Revista de artes y humanidades, adscrita a la Universidad Autónoma de Baja California. –Miembro del Comité Editorial de International Journal of Safety and Security in Tourism and Hospitality, publicación científica de la Universidad de Palermo. –Miembro Titular del Consejo Editorial Internacional de Errancia, Revista de Psicoanálisis, Teoría Crítica y Cultura –UNAM– Universidad Nacional Autónoma de México. –Miembro del Consejo Editorial de Revista “Campos en Ciencias Sociales”, Universidad Santo Tomás © , Bogotá, Colombia. –Miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos (FIAF) con sede en Bruselas, Bélgica. Director de Revista Observaciones Filosóficas. Profesor visitante en la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. – Profesor visitante Florida Christian University USA y Profesor Asociado al Grupo Theoria – Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado –UCM. Eastern Mediterranean University - Academia.edu. Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado, Universidad Andrés Bello. –Investigador Asociado y Profesor adjunto de la Escuela Matríztica de Santiago –dirigida por el Dr. Humberto Maturana. Consultor Experto del Consejo Nacional de Innovación para la Competitividad (CNIC)– Artista conceptual. Crítico de Arte. Ha publicado el Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. Invitado especial a la International Conference de la Trienal de Arquitectura de Lisboa | Lisbon Architecture Triennale 2011. Traducido al Francés - Publicado en la sección Architecture de la Anthologie: Le Néant Dans la Pensée Contemporaine . Publications du Centre Français d'Iconologie Comparée CFIC, Bès Editions , París, © 2012. Profesor de Postgrado, Magister en Biología-Cultural, Escuela Matríztica de Santiago y Universidad Mayor 2013.

PUBLICACIONES

Publicaciones Internacionales Catalogadas en DIALNET Directorio de Publicaciones Científicas Hispanoamericanas

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PROGRAMA CURSO - HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO: ARQUITECTURA, ESTÉTICA Y LITERATURA. PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

Adolfo Vasquez Rocca | Universidad Complutense de Madrid

Pontificia Universidad Católica de Valparaíso
Universidad Andrés Bello UNAB
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Prof. Dr. Adolfo Vásquez Rocca

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LA CRÍTICA DE ARTE Y LA ESTÉTICA CONTEMPORÁNEA Por Adolfo Vásquez Rocca

DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
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Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

Sobre el arte en el límite de la historia, la muerte del arte y el arte plástico contemporáneo (Arthur Danto)

ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

BIBLIOGRAFÍA:

ADORNO, Theodor: Teoría Estética . Editorial Taurus, Madrid, 1990.

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BAJTÍN, Mijaíl, Autor y personaje en la actividad estética, Estética de la creación verbal, Buenos Aires, Siglo XXI, 1982

BARTHES, R.: (1953) El grado cero de la escritura, México, S. XXI, 1973.

BARTHES, Roland, El placer del texto, Buenos Aires, Siglo XXI, 1974.

BARTHES, Roland, “Escribir: ¿Un verbo intransitivo?”; “La muerte del autor”, El susurro del lenguaje. Más allá de la palabra y la escritura, Buenos Aires, Paidós, 1987BAUDRILLARD, Jean: La transparencia del mal (Ensayo sobre los fenómenos extremos). Anagrama, Barcelona, España, 1991.

BLANCHOT, Maurice, “La ausencia del libro. Lo neutro, lo fragmentario”, El diálogo inconcluso, Caracas, Monte Ávila, 1996.

BLANCHOT, Maurice, “La ausencia del libro. Lo neutro, lo fragmentario”, El diálogo 1996,

BENJAMIN, Walter, La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica (1936), Ed. Taurus, Madrid 1973.

BENJAMIN, Walter, “El autor como productor”, Iluminaciones III. Tentativas sobre Brecht, Madrid, Taurus, 1998.

BOZAL, V. (ed.): Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas, 2 vols., Madrid, Visor La balsa de la Medusa, 1996.

BRETON, André 1896-1966, "Manifiestos del surrealismo", Madrid Visor Libros D.L. 2002.

DANTO, Arthur C. Después del fin del arte Barcelona, Bs.As., México, Ed. Paidós, 1999.

DELEUZE, Gilles, La imagen-tiempo (1986), Estudios sobre Cine 2, Editorial Paidós, Barcelona, 1986

DELEUZE, Gilles, Proust y los signos, Editorial Anagrama, Barcelona, 1989.

DELEUZE, Gilles, Crítica y clínica, Barcelona, Anagrama, 1996

DERRIDA, Jacques, El Teatro de la crueldad y la clausura de la representación, Anthropos, Barcelona, 1989.

DERRIDA, Jacques, De la gramatología (Paris: Minuit, 1967), Siglo XXI, México, 1985

DERRIDA, J.: La escritura y la diferencia. Barcelona, Anthropos, 1989.

DERRIDA, Jacques, Papel máquina . Madrid, Trotta, 2003.

DERRIDA, Jacques, Freud y la escena de la escritura, El Hilo de Ariadna, 2000

FREUD, Sigmund, Análisis terminable e interminable (1937), En Obras completas, Volumen XXIII, Buenos Aires & Madrid: Amorrortu editores.

ECO, Umberto. Lector in fabula, Editorial Lumen Barcelona 1981

HEIDEGGER, Martín, El origen de la obra de arte, F.C.E. 1978, 2da ed. (Breviarios, 229)

HEIDEGGER, Martín, La pregunta por la técnica, Colección Filosofía, Barcelona, 1985

KRAUSS, Rosalind E., "La originalidad de la vanguardia y otros mitos modernos", Madrid Alianza D.L. 1996.

LÓPEZ DE LA VIEJA, M. Teresa, Figuras del logos; entre la filosofía y la literatura, Ed. Fondo de cultura económica, Madrid, 1994

MARCHÁN FIZ, S.: La estética en la cultura moderna. De la Ilustración a la crisis del estructuralismo, Barcelona, Gustavo Gili, 1982

MARCHÁN FIZ, Simón., "Las Vanguardias históricas y sus sombras (1917-1930)", Madrid Espasa-Calpe, 1996.

PROUST, Marcel, El tiempo recobrado (Le temps retrouvé, póstuma, 1927)

RUIZ, Raoul, Poétique du cinéma (1995), Edité par : Dis-Voir, ISBN 2906571377, Collection Cinéma – Fictions

RORTY, Richard, Contingencia, ironía y Solidaridad, Editorial Paidós, Barcelona, 1996.

RYAN, Marie-Laure, Los Mundos Posibles, Inteligencia Artificial y Teoría de la Narrativa, Editorial Anagrama, Madrid, 1991.

VASQUEZ ROCCA, Adolfo, Nietzsche y Derrida: La ficción del sujeto y las seducciones de la gramática, FUNDES, ISSN : 0211-1381, Madrid, 2007.

VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “El Giro Estético de la Epistemología; La ficción como conocimiento, subjetividad y texto”, En Revista AISTHESIS,
Instituto de Estética, Pontificia Universidad Católica de Chile, PUC, Nº. 40, 2006 , pags. 45-61. http://dialnet.unirioja.es/servlet/dcfichero_articulo?codigo=2347653

VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, "Nietzsche: De la voluntad de ficción al Pathos de la verdad. Aproximación estético-epistemológica a la concepción biológica de lo literario", En NÓMADAS, Revista Crítica de la Universidad Complutense de Madrid, NÓMADAS. 36 | Julio-Diciembre 2012 (II) pp. 315-338

http://www.theoria.eu/nomadas/36/adolfovrocca.pdf

STEINER, George, Presencias Reales, trad. J.G. López Guix, Barcelona, Ed. Destino, 1998. Colección Destino, libro vol. 417.

PROGRAMA CURSO - HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO: ARQUITECTURA, ESTÉTICA Y LITERATURA. PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

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Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

CURSO - PROGRAMA DE HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO: FILOSOFÍA, LITERATURA Y ESTÉTICA _ PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

Referencias :

"Adolfo Vásquez Rocca" , Estética de la virtualidad y deconstrucción del museo como proyecto ilustrado, En Revista NÓMADAS Nº 28 © Instituto de Estudios Sociales Contemporáneos, Facultad de Ciencias Sociales, Humanidades y Arte ? Universidad Central, Colombia, pp. 122 ? 127. http://www.ucentral.edu.co/NOMADAS/nunme-ante/26-30/28/11-ESTETICA%20ADOLFO.pdf

"Adolfo Vásquez Rocca" , "El Arte abandona la galería ! ¿A dónde va?", En RÉPLICA 21 © , Revista Internacional de Artes Visuales, México, Abril 2008.

http://replica21.com/archivo/articulos/u_v/542_vazquez_abandono.html

- Vásquez Rocca, Adolfo, La Deconstrucción de la noción de Autor; Alteridad e identidad en la poesía de Juan Luis Martínez" En Revista ADAMAR, Nº 28, diciembre de 2007, España. Revista de Poesía incluida en el Directorio mundial de Literatura de la UNESCO: http://www.adamar.org/ivepoca/node/373

Adolfo Vásquez Rocca, "Andy Warhol; 'Mi Filosofía de A a la B y de B a la A'", (Reedición) En Revista Almiar, MARGEN CERO, MADRID, Nº 36 - noviembre de 2007 - Margen Cero © , Fundadora de la Asociación de Revistas Culturales de España, ISSN 1695-4807 http://www.margencero.com/articulos/articulos_taber/andy_warhol.html

Adolfo Vásquez Rocca, "Peter Sloterdijk; Espumas, mundo poliesférico y ciencia ampliada de invernaderos" En KONVERGENCIAS, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Nº 16 - 2007, Capital Federal, Argentina, pp. 217-228

Vásquez Rocca, Adolfo, "Arquitectura, Diseño y Filosofia en Heidegger; Construir, Habitar, Pensar", En Arqchile.cl ©, Portal Latinoamericano de Arquitectura, ISSN 0718-431X, Concepción , mayo 2008. http://www.arqchile.cl/arquitectura_heidegger.html

Adolfo Vásquez Rocca, "Música y Filosofía contemporánea; Registros polifónicos de John Cage a Peter Sloterdijk", En SINFONÍA VIRTUAL, Nº 6, 2008, Revista Trimestral de Revista de Música Clásica y reflexión musical, España, ISSN 1886-9505. http://www.sinfoniavirtual.com/revista/006/musica_filosofia_contemporanea_john_cage_peter_sloterdijk.php

Adolfo Vásquez Rocca, "Individualismo, modernidad líquida y terrorismo hipermoderno; de Bauman a Sloterdijk", En Konvergencias, Revista de Filosofía y Culturas en Dialogo, Nº 17, 2008 - ADEFYC Asociación de Estudios Filosóficos y Culturales, Ciudad de Buenos Aires, Argentina, pp, 122 - 130 http://www.konvergencias.net/vasquezrocca168.pdf

Adolfo Vásquez Rocca, "Nietzsche y Derrida: De la voluntad de ilusión a la Mitología blanca", En CUENTA Y RAZÓN DEL PENSAMIENTO ACTUAL Nº 145 ? 2008 - Revista de la Fundación de Estudios Sociológicos de Madrid, (FUNDES) Nº 145 ? 2008, pp. 45 a 64 - ISSN : 0211-1381 http://www.cuentayrazon.org/revista/pdf/145/Num145_006.pdf

Adolfo Vásquez Rocca, "Rostros y espacio interfacial; hacia una teoría del retrato en Sloterdijk", en ENFOCARTE Nº 33, Revista de Arte Patrocinada por la Secretaría de Cultura | Gobierno de Buenos Aires. http://www.enfocarte.com/7.33/rocca.html

Adolfo Vásquez Rocca, "Peter Sloterdijk: Esferas, flujos, sistemas metafísicos de inmunidad y complejidad extrahumana" En NÓMADAS Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas. UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID, | Nº 17 | Enero-Junio 2008 | 1º / 1 pp. 145-149 http://www.ucm.es/info/nomadas/17/avrocca_sloterdijk.pdf

Adolfo Vásquez Rocca, "Peter Sloterdijk: Espacio tanatológico, duelo esférico y disposición melancólica", En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas - Universidad Complutense de Madrid, | Nº 17 | Enero-Junio 2008 -1º / 1 | pp. 151-158 http://www.ucm.es/info/nomadas/17/avrocca_sloterdijk2.pdf

Adolfo Vásquez Rocca, "Peter Sloterdijk: Temblores de aire, atmoterrorismo y crepúsculo de la inmunidad", En NÓMADAS, Revista Crítica de Ciencias Sociales y Jurídicas - Universidad Complutense de Madrid, | Nº 17 | Enero-Junio 2008 -1º / 1 | pp. 159-168 http://www.ucm.es/info/nomadas/17/avrocca_sloterdijk3.pdf

Adolfo Vasquez Rocca | Universidad Complutense de Madrid Licenciatura en Literatura Universidad Andres Bello UNAB

Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

- FILOSOFÍA DEL ARTE Y ESTÉTICA
- Posmodernidad y sobreinterpretación, por Adolfo Vásquez Rocca
- De la escuela cínica al cinismo contemporáneo de Sloterdijk, por Adolfo Vásquez Rocca
- Pina Bausch. Danza Abstracta y Psicodrama Analítico, por Adolfo Vásquez Rocca
- Música concreta y Filosofía contemporánea (I), por Adolfo Vásquez Rocca
- Música concreta y Filosofía contemporánea (II), por Adolfo Vásquez Rocca
- Foucault; 'Los Anormales', una genealogía de lo monstruoso, por Adolfo Vásquez Rocca
- Seminario Internacional del Espacio Espacio y Arte: Estética de la desaparición.
- CURSO - PROGRAMA DE HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO: FILOSOFÍA, LITERATURA Y ESTÉTICA _ PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

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Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

Dr. Adolfo Vásquez Rocca D. Phil

Adolfo Vasquez Rocca | Universidad Complutense de Madrid

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Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

PROGRAMA CURSO - HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO: ARQUITECTURA, ESTÉTICA Y LITERATURA. PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

"Adolfo Vásquez Rocca" , "El Arte abandona la galería ! ¿A dónde va?", En RÉPLICA 21 © , Revista Internacional de Artes Visuales, México, Abril 2008.

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PROGRAMA CURSO - HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO: ARQUITECTURA, ESTÉTICA Y LITERATURA. PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA CURSO DE ARTE Y FILOSOFÍA CONTEMPORÁNEA: ESTÉTICA Y FILOSOFÍA DEL ARTE

Rosi López Martínez - Arte y Restauración Patrimonial - Rosa López Martínez

CURSO - PROGRAMA DE HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO: FILOSOFÍA, LITERATURA Y ESTÉTICA _ PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

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PANORAMA DE LA FILOSOFÍA MODERNA Y CONTEMPORÁNEA

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PANORAMA DE LA FILOSOFÍA MODERNA Y CONTEMPORÁNEA

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FILOSOFIA CONTEMPORÁNEA Por Adolfo Vásquez Rocca

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Adolfo Vásquez Rocca

ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

'FILOSOFÍA COMO TEORÍA ERÓTICA. ENTREVISTA A ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA', EN 'ALCANCES' REVISTA DE FILOSOFÍA UCCH de la Facultad de Filosofía y Humanidades de la UNIVERSIDAD DE CHILE.

<http://www.alcances.cl/ver-articulo.php?id=81 >

Kafka By Adolfo Vásquez Rocca

"Filosofía como teoría erótica. Entrevista a Adolfo Vásquez Rocca". Entrevista en 'ALCANCES' Vol.I, Nº 1, año 2010 – Revista de Filosofía – de la Facultad de Filosofía y Humanidades de la Universidad de Chile. http://www.alcances.cl/ver-articulo.php?id=81

Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

PROGRAMA DE HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORANEO: CURSO DE FILOSOFIA DEL ARTE MODERNO _ DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

ADOLFO VASQUEZ ROCCA PH.D.: DISEÑO Y ARQUITECTURA PROGRAMA DE ESTÉTICA CURSO DE TEORÍA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO

Prof. Dr. Adolfo Vásquez Rocca Escuela de Psicología UNAB

PROGRAMA CURSO _ ESTÉTICA Y TEORÍA DEL ARTE _ ESCUELA DE DISEÑO PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

Adolfo Vásquez Rocca Arte y Filosofía Contemporánea

ESTÉTICA EScuela de Diseño HMF _ UNAB _ Prof. Dr. Adolfo Vásquez Rocca 2011

PROGRAMA ESPECIAL DE LICENCIATURA EN DISEÑO

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LICENCIATURA EN DISEÑO FAAD ARQUITECTURA _ ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

PROGRAMA CURSO - HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO: ARQUITECTURA, ESTÉTICA Y LITERATURA. PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

Problemas del arte contemporaneo: curso de filosofia del Arte

ESCUELA DE DISEÑO

Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

Arquitectura

CURSO - PROGRAMA DE HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO: FILOSOFÍA, LITERATURA Y ESTÉTICA _ PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

Adolfo Vásquez Rocca Arquitectura y Diseño

Diseño Adolfo Vásquez Rocca Arte y Filosofía Contemporánea

PROGRAMA CURSO - HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO: ARQUITECTURA, ESTÉTICA Y LITERATURA. PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

El estilo de las modelos en las recientes semanas de la moda (Parte I)

Una vez concluidos los fashion weeks no sólo los desfiles pasan por revisión: el look de las modelos que participaron en ellos también es comentado y analizado a medida que aparecen las fotografías que fashionistas y entendidos tomaron de sus estilosos outfits.

Y como en Viste la Calle no nos quedamos atrás, revisamos lo que usaron estas chicas mientras desfilaban por las capitales de la moda para que tengamos una visión de cómo personalizar las tendencias y saquemos ideas para nuestros closets (adaptándolas a nuestra realidad claro está, a menos que alguna/o de ustedes sea hija/o de Bill Gates).

Mis favoritas de esta parte: Anja Rubik, elegante como ninguna; Hanne Gaby Odiele, atrevida y con un gusto exquisito para combinar; Freja Beha, destilando actitud con su estilo andrógino rockero y Frida Gustavsson, muy lady y sofisticada hasta en lo casual. ¿Y sus favoritas? ¿Alguna digna de imitar?

Anna Selezneva

DISEÑO

El Diseño es una actividad que nace poco después de la Revolución Industrial, a finales del siglo XIX e inicios del XX. En su origen está vinculado con las artes aplicadas y los oficios, para luego, durante los grandes procesos de industrialización del siglo 20, vincularse a la ingeniería y caracterizar el desafío de democratizar el acceso al bienestar, a través de la producción en serie de productos de consumo y en el traspaso de nuevos valores y de saberes tradicionales a la industria. Hoy, el diseño es reconocido como factor de integración social y de éxito económico, y últimamente asume el cuidado del medio ambiente y la sustentabilidad entre sus fines.
El nuevo producto de diseño busca mejorar la calidad de vida, integrando en su desarrollo y durante su ciclo de vida las más diversas disciplinas y tecnologías, penetrando en todos los aspectos de la cultura y la vida contemporánea. El diseño nos envuelve cotidianamente, a través de avanzados sistemas de comunicación, productos que nos dan capacidades e identidad, experiencias y servicios a los que nos entregamos.
Presente en la visión de la Escuela de Diseño de la Universidad Andrés Bello están la tecnología, referida a los modos de proyectar e integrar métodos y procesos; la innovación, referida a la búsqueda constante de nuevas prácticas sociales y de nuevos nichos de intervención para el diseño; y, el trabajo interdisciplinario, entendido como la colaboración entre varias disciplinas.
Lo anterior se refleja en cursos avanzados que estudian la complejidad de un contexto cambiante e intervienen en el diseño de la información en productos electrónicos y digitales, de comunicación visual y editorial, de materiales, iluminación y equipamiento para el interiorismo y la arquitectura, de indumentaria de alto desempeño para el deporte y el trabajo, de servicios, productos, envases y embalajes para la salud y la alimentación, entre muchos otros.
Considerando este nuevo escenario, el programa de estudios de la Escuela, orientado a la enseñanza basada en problemas y en el aprender a aprender, ha puesto especial énfasis en acoger los intereses de nuevas generaciones, cuidando a la vez los conocimientos académicos, métodos y principios que dan versatilidad y eficacia a la profesión.
La idea es formar diseñadores cultos, especializados en diseño gráfico o industrial, alerta a las transformaciones tecnológicas y a la apertura de nuevos nichos de intervención, capaces de integrar equipos interdisciplinarios y de reconocer el potencial cultural y humanista de la profesión.
Con un claro énfasis en la innovación y la búsqueda de nichos estratégicos asociados a la agenda país, las metodologías de cursos y talleres, sitúan a los alumnos en diversos escenarios de la vida contemporánea. Frente a esas realidades, los futuros diseñadores proponen soluciones con base en conocimientos científicos, técnicos y humanísticos, apoyados en laboratorios especializados que les permiten construir y verificar sus propias ideas a la vez que innovar en el diseño de objetos, productos, servicios y procesos.
La condición actual del diseño nunca antes ha sido tan estimulante. El cruce y fusión de conocimientos, tecnologías y ciencias, hacen del diseño una profesión apasionante, llena de oportunidades y desafíos para la creación y el trabajo en equipo.
Comunicación visual, tipografía, animación digital, multimedia interactiva, realidad virtual, arte, ilustración, diseño de información, autoría editorial, identidad de marcas, exhibición para la difusión comercial y cultural, productos de consumo y alimentos, rehabilitación médica, ahorro de energía y recursos naturales, habitabilidad, herramientas y procesos industriales, interfases digitales y análogas, etc. Estos son algunos de los temas de los que se ocupan los diseñadores de la Escuela de Diseño de la Universidad Andrés Bello.

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Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

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Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

Programa de Licenciatura en Diseño UNAB _ ESTÉTICA

ESTÉTICA

Prof. Dr. Adolfo Vásquez Rocca

CURSO - PROGRAMA DE HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO: FILOSOFÍA, LITERATURA Y ESTÉTICA _ PROF. DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

Escuela de Diseño

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Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

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Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

DESCRITOR PROGRAMA CULTURA Y COMUNICACIÓN

COMPETENCIA(S) ALCANZADA(S) AL FINALIZAR EL CURSO

Objetivo General

Sugerir nexos críticos y creativos entre Diseño y la cultura, desde un enfoque histórico y estético.

Objetivo Específico

Definir los fundamentos de lo estético y de la crisis de lo moderno.

Conocer ejemplos de (trans)fusiones entre Diseño, Arquitectura y Estética en diversos campos culturales: literatura, plástica, cine, escenografías, instalaciones, música, danza; entre otros.

Ampliar el conocimiento sobre los referentes básicos del diseño moderno

Ampliar la capacidad de reflexión sobre los vínculos entre sistema cultural y sistema de diseño

Ampliar la capacidad de acción sobre el análisis cultura

CONTENIDOS

CURSO ESTÉTICA

Adolfo Vásquez Rocca PH.D.

PROGRAMA CURSO ESTÉTICA Y TEORÍA DEL ARTE _ ESCUELA DE DISEÑO

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Memoria e imagen
Memoria y objeto
Memoria y Ciudad
Fundamentos simbólicos, psicológicos y estéticos.

Viaje de la Estética Visual

Poéticas del Espacio
Poéticas del Cuerpo
Espacio y Cuerpo

CURSO HISTORIA DEL DISEÑO

SEGUNDA MODERNIDAD S. XVII Y XIX

Revolución industrial Inglesa. La lucha por el poder o el materialismo heroico.

Revolución francesa. Los efectos intelectuales de la ilustración.

Revolución Norteamericana y sus efectos sobre el resto de América.

MODERNISMOS Y VANGUARDIAS

Arts and Craft en Inglaterra

Art Nouveau en Francia

Jugendstill en Alemania

Gaudi en España

El Bauhaus en Alemania como espacio de eclosión de vanguardias y funcionalismo.

POST MODERNIDAD. Crisis del proyecto totalizador de la modernidad.

Diseño Italiano en Memphis

Vanguardia y Trans Vanguardia

Virtualidad y nuevas tecnologías

5. BIBLIOGRAFÍA OBLIGATORIA

AUMONT, Jacques, La Estética Hoy, Madrid, Editorial Cátedra, 2001.

IVELIC, Milan, Curso de Estética General, Santiago: Ed. Universitaria. 1998.

MOLINUEVO, José Luis, La experiencia Estética Moderna, Madrid. Editorial Síntesis, 1998.

BRONOWSKI, Jacob El ascenso del hombre. Fondo educativo interamericano S.A. México 1987 cap. 8 El afán de poder.

Clark Kenneh. Civilización. Una visión personal. Colección el libro de bolsillo. Alianza editorial Madrid 1987. cap. 13 Materialismo heroico.

BÜRDEK, Bernhard, Historia, Teoría y Práctica del Diseño Industrial, Barcelona, Editorial Gustavo Gili, 1994.

HESKETT, John, Breve Historia del diseño industrial, Barcelona, Ediciones del Serbal, 1985.

SATUÉ, Enric, El diseño gráfico: desde los orígenes hasta nuestros días, Madrid, Editorial Alianza, 1990.

DORMER, Peter, El diseño desde 1945, Barcelona, Ediciones Destino, 1993.

FUCHS, HEINZ y BURKHARDT, Producto, Forma, Historia: 150 años de diseño alemán, Instituto de Relaciones con el Extranjero RFA, Stuttgart, Heinrich, 1998.

FRAMPTON, Kenneth, Historia crítica de la arquitectura moderna, Barcelona, Editorial Gustavo Gili, 1998.

PALMAROLA, Hugo, Productos y socialismo: Diseño Industrial Estatal en Chile, La vida cotidiana de un año crucial, Editorial Planeta, 1973.

ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

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Clase de Estetica Escuela de Arquitectura Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

6. BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA

BARTHES, Roland, Lo obvio y lo obtuso, Barcelona, Paidós, 1992.

BAUDRILLARD, Jean, América, Barcelona, Anagrama, 1994.

BAUDRILLARD, Jean y NOUVEL, Jean, Los Objetos Singulares: Arquitectura Filosofía.

BENJAMIN, Walter, La Obra de Arte en la época de su Reproductibilidad Técnica en Discursos interrumpidos I; Madrid, Tauros, 1992.

MALDONADO, Tomás, El diseño industrial reconsiderado: Definición, historia, bibliografía, Editorial Gustavo Gili, 1993.

BONSIEPE, Gui, Del objeto a la interfase: Mutaciones del diseño, Ediciones Infinito, 1999.

Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

ESCUELA DE DISEÑO UNAB _ PROGRAMA CURSO ESTÉTICA Y TEORÍA DEL ARTE

Adolfo Vásquez Rocca - Doctor en Filosofía

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Diseño Admisión 2012 Escuela de Diseño:

Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

DISEÑO Y ARQUITECTURA

Dr. Adolfo Vásquez Rocca

Diseño

Adolfo Vásquez Rocca Arquitectura y Diseño

ESCUELA DE DISEÑO UNAB _ PROGRAMA CURSO ESTÉTICA Y TEORÍA DEL ARTE

Innovación, sustentabilidad y creatividad en el ejercicio de la profesión

La innovación y creatividad son atributos que otorgan valor agregado al trabajo de la gran mayoría de los profesionales y son requisitos indispensables para los diseñadores. Profesión que trabaja para mejorar la calidad de vida de las personas en contextos sumamente diversos. Los egresados de la Escuela de Diseño de la Universidad Andrés Bello, destacan por su sentido de realidad y vocación de servicio que dan vida a proyectos vanguardistas, sustentables y con estética sensible.
(*) Con menciones en Diseño Gráfico o Diseño Industrial.

Director(es) de Carrera:

Escuela Santiago: Gonzalo Puga
Escuela Viña del Mar: Alan Fox

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Adolfo Vásquez Rocca Arquitectura y Diseño

Pina Bausch By Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

CAMPO OCUPACIONAL DISEÑO

Los egresados de la carrera de Diseño desempeñan en diversos campos, ya sea en empresas comerciales, de servicios, de la producción y la manufactura; empresas privadas y públicas vinculadas a la cultura. Asimismo, pueden ejercer su profesión en empresas y oficinas particulares de diseño, marketing, agencias de publicidad, rubro editorial, imprenta y comunicaciones. También reciben las herramientas y conocimientos para emprender una práctica profesional independiente.

ANTES DEL FIN DEL ARTE: DANTO Y EL ARTE POSTHISTÓRICO; CUANDO TODO ES ARTE Y NADA ES ARTE DR. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

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Nicanor Parra Antipoesía Por Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

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Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

LICENCIATURA EN DISEÑO Escuela de Diseño

- Adolfo E. Vasquez Rocca
- LICENCIATURA EN DISEÑO Inicio Programa
  
  TRANSVERSALES: ARQUITECTURA _ PROGRAMA CURSO ESTÉTICA Y TEORÍA DEL ARTE _ ESCUELA DE DISEÑO Y ARQUIT

Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

______________________________________
LICENCIATURA EN DISEÑO

Dr. Adolfo Vásquez Rocca

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Cátedra: ESTÉTICA

Curso: ESTÉTICA Y TEORÍA DEL ARTE

Profesor: Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

Facultad: ARTES

Escuela: Arquitectura y Diseño

Universidad: UNAB

FACULTAD DE ARTES Y HUMANIDADES

Escuela de Psicología UNAB Adolfo Vásquez Rocca Arte y Filosofía Arquitectura y Diseño

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ESCUELA: Arquitectura y Diseño

Profesor: Dr. Adolfo Vásquez Rocca

1. Identificación de la Asignatura:

CURSO: ESTÉTICA

Adolfo Vásquez Rocca Arte y Filosofía Arquitectura y Diseño

CÓDIGO: HMF152

TIPO DE ACTIVIDAD(ES):

Clases Expositivas y Discusión socializada.

Lectura y Analisis de Textos de Arte

Trabajo de Investigación y Ensayo

Elaboración de Proyectos

Taller de simulación Gnoseológica

Exposición y Ponencias grupales.

Horas Semanales: 3 Horas / Curso – Teórico – Semestral

2 horas Clases Expositivas y Discusión socializada

1 hora Trabajo de Investigación | Ponencias | y Proyectos.

2.- Competencia(s) alcanzada(s) al finalizar el Curso.

Objetivos:

El estudiante alcanzará la base teórica necesaria para la comprensión de los problemas centrales de la estética, así como de los debates modernos y contemporáneos en torno a la naturaleza y función de la creación artística.

Examinar el concepto y naturaleza del arte, los conceptos de belleza y fealdad, de armonía e inarmonía, dando cuenta de los problemas y teorías estéticas que tales conceptos han suscitado; posibilitando su revisión histórica y crítica.

Analizar los fenómenos artísticos, la ‘experiencia estética’ – desde su contexto socio-cultural, propiciando un acceso conceptual a la obra de Arte y sus múltiples relaciones con otras disciplinas tales como la Arquitectura, el Diseño, el Urbanismo, la Antropología y la Sociología. Considerado las obras y objetos de arte como documentos etnográficos de primer orden para el estudio de nuestras sociedades occidentales.

3. Contenidos

1. Unidad : El concepto de Belleza en el Pensamiento Clásico. 20 %

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Adolfo Vásquez Rocca Arte y Filosofía Arquitectura y Diseño

Introducción a la naturaleza y alcances de los problemas estéticos.
Imagen y Arte. De lo mítico a lo estético.
La idea clásica de belleza y la fealdad del arte moderno
Del Clasicismo al Manierismo
Ideas en torno a la estetica: de Platon a Hegel
La experiencia estética y el hecho artístico: La obra, el artista, el espectador y la estética de la recepción.
Introducción a la estética del siglo XVIII: Baumgarten, Burke.
Goethe y el problema de la belleza. Idea clásica y romántica.
Hölderlin, Trakl y Heidegger; El habitar poético del hombre.
“Arquitectura, Diseño y Filosofia en Heidegger; Construir, Habitar, Pensar
Heidegger y Sloterdijk: La política como plástica del ser, nacionalsocialismo privado y crítica del imaginario filoagrario.
Ernst Jünger: tempestades de acero o la entrada en escena de los titanes
Heidegger desde Gadamer: Una re-lectura de El origen de la obra de arte
Deconstrucción del museo como proyecto ilustrado.

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Adolfo Vásquez Rocca Arte y Filosofía Arquitectura y Diseño

2.- Unidad: Transformación del concepto de Obra de Arte. 30 %

Fundamentos teóricos de la investigación en cultura visual
Transformación del concepto de obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica en W. Benjamin.
Benjamin y el Proyecto de los Pasajes. Dialécticas arquitectónicas. La crítica de la cultura de masas en Th. Adorno y M. Horkheimer.
F. Nietzsche: la poetización de la filosofía y su dispersión en el lenguaje artístico.
Problematización del concepto de Arte y sus perplejidades ante el enunciado: “Esto es arte”.
De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo.
La irrupción de las vanguardias artísticas y sus Manifiestos.
El movimiento Dadá: historia de una subversión.
El Surrealismo: automatismo, mundo onírico y abolición de la figura del artista tradicional. Escritos y Manifiestos.
Los cornudos del viejo arte moderno.
Lo abyecto y monstruoso del arte de vanguardia.

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3. Unidad: Estética Contemporánea: El Arte abandona el museo. ¿A dónde va? 20 %

De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo.
El Arte Conceptual; El artista como teórico y el político como escenógrafo.
Joseph Beuys: cada hombre, un artista ; de la antropología al concepto ampliado de arte.
El Arte abandona el museo. ¿A dónde va?

“Fluxus y Beuys: De la Acción de Arte a la Plástica Social
Museo y poder. La mirada postmoderna. Los recursos postmodernos: citas, parodias, revisiones.
Proust y Deleuze; Signos, Tiempo recobrado y Memoria involuntaria
De cómo Nueva York robó la idea de Arte moderno
Estéticas y prácticas postmodernas. Estética ¿Para qué?
“W. Burroughs; La metáfora viral y sus mutaciones antropológicas.
William Burroughs; Literatura ectoplasmoide y mutaciones antropológicas. Del virus del lenguaje a la psicotopografía del texto
Lucian Freud; tras los pliegues de la carne, una aproximación al retrato psicológico
Francis Bacon; la deriva del yo y el desgarro de la carne
Sloterdijk; Entre rostros, Esferas y Espacio interfacial. Ensayo de una historia natural de la afabilidad
Las Metáforas del Cuerpo en la Filosofía de Jean-Luc Nancy; Nueva carne, cuerpo sin órganos y escatología de la enfermedad

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Adolfo Vásquez Rocca Arte y Filosofía

4. Unidad: Estética y Posmodernidad 30 %

o estético y el arte en la dialéctica de la modernidad – posmodernidad.
La posmodernidad; a 30 años de la condición postmoderna de Lyotard

Teoría del arte en la esfera pública. El arte y la ciudad.
Sloterdijk y W. Benjamin; El Palacio de Cristal y los shopping-mall como sistemas autorregulados.

Las imágenes híbridas de la posmodernidad y la sobremodernidad. Estética y globalización.

La estética del diseño en la ciudad; la mirada reticular y la mirada fragmentada
Las nuevas categorías de lo posmoderno: fragmentación, simultaneidad y fugacidad
La fotografía y las formas del olvido; del furor de la imagen al frenesí de lo real
El fenómeno de la moda: novedad y simulacro.
La cultura en los nuevos movimientos sociales: pacifismo, ecologistas y feministas.
Postmodernidad, Postvanguardismo y Contracultura.
La moda en la postmodernidad. Deconstrucción del fenómeno “fashion”.
Happening, arte conceptual, performances e instalaciones.
Arte minimal.

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Adolfo Vásquez Rocca Filosofía Contemporánea

Música concreta y Registros polifónicos: John Cage
Pina Bausch; Danza Abstracta y Psicodrama Analítico.
De la muerte del arte al postvanguardismo: eclecticismo, citacionismo, fragmentación, ironización y reapropiacionismo.
Jean Baudrillard; alteridad, seducción y simulacro; Cultura, narcisismo y régimen de mortandad en el sistema de los objetos.
La fotografía y las formas del olvido; del furor de la imagen al frenesí de lo real.
Germán Von Appen: ‘Visiones de Valparaíso, entre el Paísaje abstracto y la conmoción de la memoria
Gordon Matta-Clark; Anarquitectura y deconstrucción.
“Ilya Kabakov; El arte de la instalación y el palacio de los proyectos
Individualismo, modernidad líquida y terrorismo hipermoderno; de Bauman a Sloterdijk
Alfredo Jaar; el secuestro de las imágenes y el Proyecto Ruanda
Peter Sloterdijk y Walter Benjamin; Air Conditioning en el Mundo interior del Capital.
Peter Sloterdijk: Temblores de aire, atmoterrorismo y crepúsculo de la inmunidad
“Peter Sloterdijk y W. Benjamin; El Palacio de Cristal y los shopping-mall como sistemas autorregulados.
El vértigo de la sobremodernidad: “no lugares”, espacios públicos y figuras del anonimato
Sloterdijk y el imaginario de la Globalización. Mundo sincrónico y conciertos de transferencia.
Vásquez Rocca, Adolfo, International-conference “Psicopolítica en Sloterdijk y Virilio; El vértigo de la sobremodernidad; ciudades del pánico y turismo etnográfico”. TRIENAL DE ARQUITECTURA DE LISBOA | LISBON ARCHITECTURE TRIENNALE 15 – 16 de Enero, 2011.

Adolfo Vásquez Rocca Arquitectura

LICENCIATURA EN DISEÑO

Adolfo Vásquez Rocca Diseño y Arquitectura

PROGRAMA ESPECIAL DE LICENCIATURA EN DISEÑO

DESCRITOR PROGRAMA CULTURA Y COMUNICACIÓN

COMPETENCIA(S) ALCANZADA(S) AL FINALIZAR EL CURSO

Objetivo General

Sugerir nexos críticos y creativos entre Diseño y la cultura, desde un enfoque histórico y estético.

Objetivo Específico

Definir los fundamentos de lo estético y de la crisis de lo moderno.

Conocer ejemplos de (trans)fusiones entre Diseño, Arquitectura y Estética en diversos campos culturales: literatura, plástica, cine, escenografías, instalaciones, música, danza; entre otros.

Ampliar el conocimiento sobre los referentes básicos del diseño moderno

Ampliar la capacidad de reflexión sobre los vínculos entre sistema cultural y sistema de diseño

Ampliar la capacidad de acción sobre el análisis cultura

CONTENIDOS

CURSO ESTÉTICA

Adolfo Vásquez Rocca PH.D.

PROGRAMA CURSO ESTÉTICA Y TEORÍA DEL ARTE _ ESCUELA DE DISEÑO

Memoria e imagen
Memoria y objeto
Memoria y Ciudad
Fundamentos simbólicos, psicológicos y estéticos.

Viaje de la Estética Visual

Poéticas del Espacio
Poéticas del Cuerpo
Espacio y Cuerpo

CURSO HISTORIA DEL DISEÑO

SEGUNDA MODERNIDAD S. XVII Y XIX

Revolución industrial Inglesa. La lucha por el poder o el materialismo heroico.

Revolución francesa. Los efectos intelectuales de la ilustración.

Revolución Norteamericana y sus efectos sobre el resto de América.

MODERNISMOS Y VANGUARDIAS

Arts and Craft en Inglaterra

Art Nouveau en Francia

Jugendstill en Alemania

Gaudi en España

El Bauhaus en Alemania como espacio de eclosión de vanguardias y funcionalismo.

POST MODERNIDAD. Crisis del proyecto totalizador de la modernidad.

Diseño Italiano en Memphis

Vanguardia y Trans Vanguardia

Virtualidad y nuevas tecnologías

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